Orquesta West-Eastern Divan - Festival de música y Reflecxión (24.07.2015)

Y llegó el día tan esperado!

Qué semana tan linda de vacaciones de invierno, que lindo es compartir tantos días juntos, qué bello es sostenerse mutuamente!

Sin duda, una de las semanas de vacaciones de invierno más lindas que he pasado.

Ya habíamos comentado, lo que significó para nosotros no poder asistir al abono estelar del año 2014, no pudiendo ver el show de Daniel Barenboim, Martha Argerich y Les Luthiers

NI si quiera se pudo asistir al ensayo general, ya que solo se podía ingresar si uno estaba en la lista de invitados. Menos mal que desde hace un tiempo, el teatro Colón dispuso que los ensayos sean abierto para todo público, con previo retiro de entradas.

La cuestión es, que esta vez sí, pudimos disfrutar de este festival de música y reflexión tan lleno de magia.

Todo empezó el 21, con Caballería Rusticana - I Pagliacci, ópera que ya hemos publicado.

EL jueves, 23, estuvimos compartiendo con mi amada y unos amigos, un asadito, para festejar el día del amigo, y brindar por la llegada de Charly, mi ángel perrudo...... después de tantas risas, anécdotas, mates y mucha camaradería, nos fuimos a caseros, ya que al otro día teníamos el primer concierto del abono estelar, hoy abono azul

El viernes, mientras mi amada tenía que hacer trámites por todo Caseros, de una punta a la otra, yo me quedé en su casa, para hacer compras, sacar a parquear a Charly... ETC. ETC.

La orden del día era, que sacase el suflé de verdura del freezer, prendiese el horno y lo dejara a fuego mínimo para cuando Ella llegase, ya esté la comida lista, así poder descansar para la tarde. Cuanta fue su sorpresa, cuando llegó, y su oso amado, el marajá osito, estaba, durmiendo!!! Siii, como lo escuchan! Ósea que en lugar de poner la comida en el horno, me quedé literalmente dormido..... Mejor ni les cuento, para que! Las cosas que le han dicho a mi persona....... mejor, lo dejamos ahí jajaaaa!!!

Finalmente, nos sentamos a almorzar, sin dejar de instigar a mi persona con una sarta de improperios...... jajaaa!

Era tanto el cansancio (De mi amada....) (Después de ´dormir toda la mañana como para estar cansado no?) La cuestión es que dormí igual jajaa!

Nos quedamos dormidos, y entre los preparativos, el cafecito, que esta vez lo hice Yo! nos aprontamos para salir hacia el Teatro Colón.

Era tan tarde, que tuvimos que tomar un remís hasta la estación de caseros. Menos mal que tuvimos suerte... justo vino un tren que solo paraba en Palermo y retiro, que si nó, NO llegábamos. Luego de llegar a Retiro, tomamos un taxi hacia el Colón. El concierto era a las 20, y nosotros llegamos a las 19.40, no saben lo que fue acomodarse! Keegan y Charly, encontraron su lugar debajo y al costado de los asientos, así que ellos, no tuvieron problema alguno.

El concierto, nos gustó mucho, aunque, ustedes podrán disfrutarlo. Para nosotros fue algo raro, ya que no solemos escuchar música de Pierre Boulez, y no es un compositor que la gente esté acostumbrada a escuchar.

Creo, que no hay nada más lindo que los aplausos finales en el teatro, y el pedido de bis....... el aplauso en el Colón, es interminable.....

A la salida, llegando al ascensor, nos encontramos con una señora muuuuy alterada que decía: Yo tengo que bajar primero, porque tengo dos ciegos a cargo....... (Se ve que la música no logró relajarla o no le gustó Pierre Boulez) Por lo que pudimos saber, eran dos personas grandes...... Entonces mi amada les dijo: NO están demasiado grandecitos para que tengan que tener alguien a cargo? Y agregó..... Nosotros bajamos después, que pase la señora que tiene dooooos cieeeegos a caaaargoooo. Jajaaaa!

Entre las dos opciones para volver a Caseros, tenemos el 39 hasta La Croce, y 123 Hasta caseros. O, ir hasta retiro con cualquiera que valla y tomar el tren San Martín. No tuvimos mejor idea que tomar el tren San Martín a las 10.30 23 HS...... Experiencia que por cierto, no se volvió a repetir. NO hay casi nadie para que te ayuden, y la verdad, el ambiente a esa hora es bastante feo. Después de alguna dificultad, logramos llegar a la estación y tomar el tren hasta Caseros. Y como no podía ser de otra manera, la aventura terminó en Adela, uno de los restoranes más lindos que he conocido. La cena transcurrió entre las risas, el comentario del concierto, degustando un buen vino tinto...... EL plato de aquel día fue Trucha del Paraná, riquísimo, se los recomiendo!

Luego de la cena, nos fuimos a casa, ya que el cansancio era total. Pero, con la alegría de haber vivido algo tan sublime, tan nuestro. Gracias amor mío por tanto!!!

Lista de obras:
01. Richard Wagner - Idilio de Sigfrido
02. Pierre Boulez - Sur Incises I
03. Pierre Boulez - Sur Incises II
04. Schonberg - Pelleas y Melisande 1
05. Schonberg - Pelleas y Melisande 2

Descarga:
https://is.gd/2Cwr2W


Hasta el próximo concierto!

De yapa, les dejo una reseña del primer concierto, y de bajo, una entrevista a Daniel Barenboim por Nelson Castro



En búsqueda de la excelencia artística
El Festival de Música y reflexión, que se extenderá hasta el 8 de agosto, tuvo una apertura extraordinaria. Con un programa poco común y hasta desafiante, el director argentino comandó a un grupo de músicos caracterizados por la versatilidad y el talento.
Por Santiago Giordano

La música como herramienta de acercamiento, camino del conocimiento, del diálogo, claro. Pero por sobre todo eso, la misión irrenunciable de la búsqueda de la excelencia artística. El viernes comenzó en el Teatro Colón el Festival de Música y reflexión, la serie de conciertos que hasta el 8 de agosto tendrá como protagonista a Daniel Barenboim, al frente de la orquesta West-Eastern Divan. El festival contará también con la participación de Martha Argerich, tocando en dúo de pianos con Barenboim y como solista con la orquesta. Argerich es miembro honorario de la orquesta que toma el nombre de una obra de Wolfgang Goethe, fundada en 1999 por el mismo Barenboim y el filósofo palestino Edward Said, para entre otras cosas fomentar la convivencia y el diálogo intercultural entre jóvenes músicos de Israel, Palestina y otros países árabes de Medio Oriente. Además de conciertos en el Teatro Colón con programas que reflejan la amplitud de la tradición musical europea y sus continuidades, el festival prevé un programa cCon música árabe e iraní, a cargo del ensamble Shiraz y el dúo integrado por Kinah Azmeh (clarinete) y Dinuk Wijeratne (piano). En este contexto, también está prevista la serie de Conciertos por la Convivencia a cargo del quinteto de bronces de la orquesta West-Eastern Divan. El ciclo dentro del festival se llevará a cabo sucesivamente en una mezquita, una sinagoga y una iglesia católica de Buenos Aires.
El comienzo del festival resultó óptimo desde lo artístico, ante una sala llena y expectante y un programa poco común, interesante desafío para intérpretes y público. Un programa que no es sino el rasgo que termina de definir el espíritu de la orquesta y a su director. El repertorio elegido planteó una línea precisa que recorre uno de los caminos posibles para explicar los procesos creativos y las transformaciones del último siglo y pico: Richard Wagner, Arnold Schoenberg y Pierre Boulez. Y además mostró la versatilidad de esta orquesta en la que israelíes y palestinos tocan la misma música, que apeló a sus solistas y al espíritu camarístico que subyace en toda buena formación orquestal.
El Idilio de Sigfrido, que Barenboim dirigió sin partitura y, como hará a lo largo de todo el concierto, sin batuta, fue la primera obra del programa. Se trata de un memento especial de un Wagner íntimo y casi doméstico, no sólo por el empleo de la pequeña orquesta, sino además por las dedicatorias que sugiere la obra, en las que se encuentran y se combinan su mujer Cosima, su hijo Sigfrido –nacido un año antes–, la Navidad de 1870, la villa a orillas del lago de Lucerna. En fin, otro rasgo evidente del sentido práctico del alemán errante. La ejecución de Barenboim jugó sobre la delicadeza de la trama y reflejó con precisión camarística la transparencia del sonido urdido con algunos motivos de Sigfrido, La tercera jornada de la tetralogía El anillo de los nibelungos, a partir de los cuales se elabora la obra.
La Sinfonía de cámara nº1 Op. 9, de Schoenberg, fue el momento culminante de la primera parte del programa. Escrita en 1906, es una obra emblemática de una época que de distintas maneras buscaba alternativas a los agotados ordenamientos del sistema tonal. Schoenberg plantea soluciones armónicas originales, como el empleo del acorde por cuartas como elemento estructural, en lo armónico, y la articulación de las distintas secciones en una gran forma sonata, en lo formal. La lectura de Barenboim exaltó la fibra romántica que subyace en la música Schoenberg, evidenciando una sintaxis de contrastes temperada por un implacable sentido rítmico, que los instrumentistas reflejaron con particular sensibilidad y precisión.
La segunda parte del programa incluyó la primera ejecución en Argentina de Sur Incises, una obra de Pierre Boulez sobre otra obra suya, según un hábito recurrente en la producción tardía del compositor francés. En 1994 Boulez escribió, a pedido de Maurizio Pollini, una pieza de ocasión que sería obra obligatoria en la edición de ese año del concurso internacional de piano Umberto Micheli. Sobre esa obra, Incises, una página breve, brillante al extremo y sostenida por un sentido de movimiento perpetuo, algunos años después elaboró una proyección sonora para tres pianos, tres arpas, y tres percusionistas con sets que incluyen marimba, vibráfono, timbales, glockenspiel, crótalos, campanas tubulares, steel drums. El resultado es una especie de juego de espejos, en el que la obra para piano solo hace retumbar continuamente y de varias maneras su gesto inicial en el ensamble para adquirir otras dimensiones temporales y espaciales. Barenboim y sus músicos mantuvieron prodigiosamente el movimiento continuo de la obra, y reflejaron con soltura el complejo juego de resonancias, reverberaciones y combinaciones tímbricas que van definiendo los dos momentos en que se articula la obra, para lograr una interpretación notable, de una belleza clásica por la nitidez y la avenencia de sus trazos.
Al final, mientras los aplausos que bajaban de las zonas altas era evidentemente más sonoros que los que llegaban de las plateas, Barenboim saludó uno por uno a los intérpretes y enseguida se acercó al proscenio como quien busca abrazar la sala que durante los próximos días lo tendrá entre sus más esperados artífices. El programa elegido fue un rasgo que termina de definir el espíritu de la orquesta y a su director.
Fuente: Página/12

Entrevista a Daniel Barenboim - Canal Tn - Por Nelson Castro (21/07/2015)
https://www.youtube.com/watch?v=BOA_Bp8FMzA

Caballeria Rusticana - I Pagliacci - teatro Colón (21.07.2015)

Buenas Tardes

Después de mucho, mucho tiempo, volvemos a darle vida a este mágico rincón.

Un día como hoy, pero del año pasado, tuvimos la dicha de vivir uno de esos conciertos que nos han marcado mucho

Esta vez, se trata de Caballería Rusticana de Pietro Mascagni, e I pagliacci, Ruggiero Leoncavallo. Estas óperas habitualmente, se dan en conjunto, ósea las dos en la misma función.

El año pasado, José Cura, Después de mucho tiempo sin actuar en el Teatro Colón, volvió a escena con estas dos óperas. Fue muy cuestionado, por desaciertos en el libreto, la puesta en escena y su calidad vocal. Para MI reina y para Mí, fue una muy buena función, en lo musical, y que, como siempre lo ha hecho el Colón, nos ha renovado, redimido, nos ha sumergido en lo más sublime de la música, y de nuestro amor.

La música como les decía fue bellísima, y el Coro de Niños del Teatro Colón, impecable. Muy buena actuación de Fabián Veloz

Después de la ópera, fuimos a San Remo, Una confitería histórica de La Crose (La oficinita de mi reina) Una cena muy amena, romántica, comentando la función, salvo...... Que nos dijeron con mucha sutileza que nos apuráramos, que tenían que cerrar. Les puedo asegurar, que no hay peor cosa que te saquen de un lugar!

Luego, nos fuimos para Caseros, a seguir disfrutando de estar juntos, de lo bello que es tenernos el uno para el otro. Y también, tuvimos que encargarnos de que Keegan y Charly comieran, sino, nos comen a nosotros jajaaa!!

La pretensión de mostrar demasiado

Con pintoresquismo de postal, la puesta en escena de estas dos óperas que funcionan, a priori, como mecanismos perfectos, lejos de aportar significados nuevos o de iluminar el drama desde otros ángulos, puebla la acción de contradicciones.

Por Diego Fischerman

Entre las muchas equivocaciones en que puede incurrir un puestista en escena hay una imperdonable: no confiar en la obra que se tiene entre manos. Cavalleria rusticana (caballerosidad rústica, o, eventualmente códigos de pueblo), de Pietro Mascagni, y Pagliacci (payasos), cada una a su manera, son mecanismos perfectos. En ambas, acabaron destruidos por la pretensión de mostrar demasiado, por la necesidad de rellenar silencios, un sobre énfasis tan abundante como innecesario y una adaptación de época y lugar decorativa y exterior que, lejos de aportar significados nuevos o de iluminar el drama desde otros ángulos, pobló la acción de contradicciones y lo hizo a cambio de nada.

En la primera, una narración fragmentada, contada a varias voces y, en dos momentos esenciales, desde fuera de la escena, construye una infalible crónica de muerte anunciada. Ni el romance adúltero ni el duelo final se muestran. Son contados por otros. Una serenata, a telón cerrado, y un grito lejano, al final, alcanzan para que ese relato casi cinematográfico se cargue de potencia. En la segunda, la comedia que representan los payasos se parece demasiado al drama de la vida real y uno acaba tomando el lugar de la otra. Las adaptaciones no son buenas ni malas en sí mismas. Don Giovanni como un yuppie incapaz de satisfacerse, en la mirada de Marcelo Lombardero presentada por Buenos Aires Lírica el año pasado, y el contracanto de la Pepita Jiménez de Isaac Albéniz dirigida por Calixto Bieito en el Argentino de La Plata en 2012, para utilizar dos ejemplos relativamente cercanos, producían, con esas operaciones, sentido teatral. La ubicación en la calle Caminito de La Boca de estas dos óperas esencialmente sicilianas, por temática, idiosincrasia de los personajes y un entorno profusamente mencionado en sus textos, no pasa de ser una postal pintoresca. Y, para peor, una postal llena de errores.

En el programa de mano se anuncia que la puesta es un “homenaje a la inmigración italiana del 1900”. Y el vestuario remite, en efecto, a esa época. No así el mural de La Boca reproducido en escena, otro recordatorio del pasado que mal podría haber estado allí cuando ese pasado era aún el presente. Alfio, el carretero, llegando en una moto y hablando de cómo manejar los caballos y las alusiones a las labranzas del campo en un medio absolutamente urbano podrían ser pasados por alto, finalmente, si la moto, la ciudad o el mural guardaran alguna relación con un nuevo drama entretejido con el original. Pero no es así. Un escenario absolutamente frontal, con una perspectiva simétrica, obliga a que todo suceda en el centro del escenario; los movimientos de masas, que aparecen y desaparecen súbitamente, son forzados y el hecho de que la puesta sitúe la vivienda de Alfio y Lola sobre la taberna de Mamma Lucia (aquí Bar Caminito-Tango), cuando en el texto se habla de que se ha visto a Turiddu rondar esa casa, en la lejanía, provoca nuevos problemas. Lo peor, no obstante, es haber puesto en escena todo lo que Mascagni buscó ocultar. El adulterio se explicita, en el bellísimo Intermezzo orquestal una pareja vestida como Lola y Turiddu baila un tango acrobático y, a cuento de nada, un acordeón duplica la melodía sobre el escenario y, en el final, en lugar del grito llega Santuzza para decir “han matado a Turiddu”. Como si hiciera falta, en el comienzo y antes de la aparición de la orquesta se escucha desde un disco “Caminito”.

La iluminación tampoco ayuda a crear climas y, en el caso de Pagliacci, donde la función repetidamente se anuncia “a las 23”, el cielo quedó congelado en un pertinaz atardecer, como si la acción, en lugar de La Boca, transcurriera en el verano noruego. A favor de Cura deben contabilizarse las pequeñas acciones que desarrolla cada una de las personas en escena y su intento de unir ambas historias (la segunda comienza con el entierro del héroe de la primera) que, si bien no aporta nada trascendente, tampoco molesta en demasía.

Con un elenco correcto en Cavalleria, donde se destacaron un solvente Enrique Folger (como Turiddu) y Guadalupe Barrientos (Santuzza) que ganó seguridad y expresividad a lo largo de la ópera, fue Pagliacci, sobre todo, la que no llegó a articularse musicalmente. Parte de la responsabilidad fue del director, Paternostro, que nunca llegó a hacer suya ninguna de las dos obras y que mostró serios problemas de marcación, ocasionando frecuentes desajustes en las entradas de la orquesta. Y parte tuvo que ver con un reparto poco adecuado: José Cura intenso aunque con poco control de su voz, oscilando entre el grito y lo inaudible y Mónica Ferracani muy lejos de la pasión que se esperaría en Nedda. La Orquesta Estable, aun con la falta de brío que supo imprimirle el director, tuvo algunos momentos sumamente bellos en las maderas –más allá de algún traspié del clarinete– y cuerdas y el Coro Estable tuvo una participación irreprochable.

CAVALLERIA RUSTICANA, de Pietro Mascagni, con libreto de Giovanni Targioni-Tozzetti y Guido Menasci.
PAGLIACCI, de Ruggiero Leoncavallo, con libreto propio.

Dirección musical: Roberto Paternostro.

Dirección de escena, diseño de escenografía e iluminación: José CuraOrquesta Estable, Coro Estable (dirigido por Miguel Martínez) y Coro de Niños del Teatro Colón (dirigido por César Bustamante).

Elenco en Cavalleria rusticana: Enrique Folger, Guadalupe Barrientos, Leonardo Estévez, Anabella Carnevali y Mariana Rewerski.

Elenco en Pagliacci: José Cura, Mónica Ferracani, Fabián Veloz, Gustavo Ahualli, Sergio Spina, Reinaldo Samaniego y Gabriel Vacas.

Fuente:

Página/12

Lamentablemente, no disponemos de esta función completa. Pero, aquí les dejamos algunos fragmentos para que puedan disfrutar de lo que fue esa noche

Descarga:

https://is.gd/XN8u7G

 

 

Y de yapa, les dejo una grabación en cd de estas obras magistrales

Cavalleria Rusticana

"Caballerosidad Pueblerina" es la primera y, junto con "I Pagliacci" (Leoncavallo), la más famosa de las óperas veristas. El Verismo se corresponde con el Naturalismo literario, caracterizado por libretos sacados de la vida cotidiana y un canto crudo, realista hasta alcanzar el alarido.

Pietro Mascagni (Livorno 1863 - Roma 1945) estrenó "Cavalleria Rusticana" el 17 de mayo de 1890 en el teatro Costanzi de Roma, consta de un sólo acto y tiene una duración de 1 hora 10 minutos.

La obra resultó ganadora en un concurso de óperas de un sólo acto que organizó el editor Sonzogno; conquistó inmediatamente al público europeo e impuso la moda de las obras en un acto.

Los autores del libreto fueron Guido Menasci (1867 - 1925) y Giovanni Targioni-Tozzetti (1863 - 1934), según la obra homónima de Giovanni Verga (1884).

Pietro Mascagni (1863-1945)
Cavalleria Rusticana
Turiddu: Jussi Bjorling
Santuzza: Renata Tebaldi
Luci: Rina Corsi
Alfio: Ettore Bastianini
Lola: Lucia Dani
Orchestra e coro del Maggio Musicale Fiorentino
chorus master: Andrea Morosini

Conductor: Alberto Erede Decca 

I PAGLIACCI

(ÓPERA EN UN PRÓLOGO Y DOS ACTOS)

Música y libreto: Ruggiero Leoncavallo (1857/1919).

Orquesta y Coro de la Accademia di Santa Cecilia de Roma dirigidos por Francesco Molinari-Pradelli.

Intérpretes:

-          Tenor: Mario del Monaco (Canio).

-          Soprano: Gabriella Tucci (Nedda).

-          Barítono: Cornell MacNeil (Tonio).

-          Tenor: Piero de Palma (Beppe).

-          Barítono: Renato Capecchi (Silvio).

PRÓLOGO

“Si può? Si può?” (Tonio).

ACTOI           

1.         “Son qua! Ritornano” (coro).

2.         “Un grande spettacolo a ventitrè ore” (Canio).

3.         “Un tal gioco, credetemi” (Canio).

4.         “I zampognari! Don, din, don” (aldeanos y niños).

5.         “Qual fiamma avea nel guardo! Stridono lassù” (Nedda).

6.         “Sei là! credea che te ne fossi andato” (Nedda).

7.         “Nedda! Silvio! a quest'ora!” (Silvio y Nedda).

8.         “Cammina adagio e li sorprenderai” (Tonio).

9.         “Recitar! Vesti la giubba” (Canio).

INTERMEZZO (orquesta).

ACTO II

1.         “Ohè! Ohè! Presto, affrettiamoci” (hombres y mujeres).

2.         “Pagliaccio, mio marito” (Colombina).

3.         “È dessa! Dei, com'e bella” (Tadeo).

4.         “Arlecchin! Colombina!” (Colombina y Arlecchino).

5.         “Versa il filtro ne la tazza sua!” (Arlecchino).

6.         “No! Pagliaccio non son” (Canio).

PERSONAJES:

-          Canio (tenor). Es el jefe de una compañía de actores, de mal genio y edad madura. En la obra que representa su compañía él hace el papel de Pagliaccio, payaso y marido traicionado.

-          Tonio (barítono). Es un jorobado de carácter amargado, al que atormenta su pasión por Nedda. En la obra de la compañía interpreta a Taddeo, un sirviente.

-          Nedda (soprano). Es la joven esposa de Canio que en la obra de la compañía hace de Columbina, la mujer de Pagliaccio. Está harta de Canio y su vida de continuo traslado. Se ha enamorado de Silvio, un joven del pueblo.

-          Beppe (tenor). Es un actor que en la obra interpreta el papel cómico y romántico de Arlecchino, el amante de Columbina.

-          Silvio (barítono). Es un joven del pueblo amante de Nedda.

Esta ópera se desarrolla alrededor de 1870 en Calabria (Italia) y en el día de la festividad de la Asunción de la Vírgen,.

ARGUMENTO:

En el prólogo, Tonio le cuenta a los espectadores que la historia que están a punto de oír es una historia real con personajes reales.

Canio, líder de un grupo ambulante de actores, advierte que si llegara a enterarse de que su mujer Nedda le es infiel, le haría pagar duramente su infamia.

Tonio trata de acercarse a Nedda, mujer de Canio, pero ésta lo rechaza.

Logra escuchar sin embargo, como Nedda y su amante Silvio planean huir juntos, y corre en búsqueda de Canio.

Canio da rienda suelta a su dolor, y en la escena preparada para la función, en la cual debe representar el papel de payaso, Nedda el de colombina y Beppe el de arlequín, encuentra la situación tan real que enceguecido de celos apuñala a Nedda y luego a Silvio, que corre en ayuda de aquélla.

Descarga:

https://is.gd/LaFZyz

Hasta la próxima aventura!

Aclaración:

Muchas veces internet no deja descargar de esta página. En caso de que esto suceda, usen el mocilla o el Google Chrome

Evgeni Kissin - Teatro Colón (02.06.2015)

Buenos días

Aquí seguimos con tan lindos recuerdos.

Pareciera, que no termina nunca la joda eh? jajaaa!

Pegadito al concierto de Elena Roger, al otro día nos íbamos a ver al gran pianista Ruso Evgeni Kissin, en el Teatro Colón. Mi amada, por una indisposición no pudo asistir, pero, me pidió que no deje de ir, para que al menos una de las entradas no se pierda y porque sabía que iba a ser un concierto memorable.

Así que entonces, fui con Mi angelito perrudo, si! Los dos Solos al concierto...... y Una vez Terminado, Volvimos a Caseros a compartir con mi bella reina, Charly y Keegan, las impresiones de tan sublime evento.

Kissin, un gran pianista, de mucha destreza. Me animo a decir, que me gusta más que Barenboim, en lo que al piano se refiere.

Destacada presentación del pianista ruso

Evgeny Kissin en el Colón

Teatro Colón
Martes 2 de Junio de 2015

Escribe: Andrés Hine
Fotografías: Prensa Teatro Colón / Arnaldo Colombaroli


Evgeni Kissin, piano
W. A. Mozart: Sonata para piano Nº 10 en do mayor, K. 330
L. van Beethoven: Sonata para piano Nº 23 en fa menor, Op. 57
J. Brahms: Tres Intermezzi, Op. 117
I. Albéniz:
- De la Suite española Nº 1, Op. 47: Granada y Cádiz
- De Cantos de España, Op. 181: Córdoba y Asturias
J. Larregla: ¡Viva Navarra!

En el marco del Abono Quinto Aniversario del Teatro Colón, se presentó el distinguido pianista ruso Evgeni Kissin. Esta actuación fue muy esperada pués recordamos que en 2012, estuvo a punto de tocar en nuestro teatro cuando desafortunadamente. se vió obligado a cancelar por razones familiares. Antes de esa fecha habia tocado con la Orquesta Filarmónica en 1996, hace ya 19 años.

La función comenzó con la Sonata No 10 en Do mayor, K330 de W.A. Mozart. Las tres sonatas K 330 a 332 , incorrectamente fechadas "Paris 1778", fueron en realidad compuestas, según estudios recientes, en Vienna o Salzburgo en 1783. Esto corresponde al período cuando el compositor se habia enmancipado de su padre y la corte de Salzburgo. El primer movimiento es de carácter alegre con un poco de tristeza expresado en la sección central del andante. El segundo movimiento, un andante cantabile íntimo con un delicado pasaje en contrapunto durante la seccion en la bemol, y el tercer movimiento, un alegre y robusto alegretto en forma de sonata. Kissin supo dotar de sentido a cada nota, respetuoso de las intenciones del compositor, con sonido diáfano y digitación clara.

Se escuchó a continuación la obra de más peso de la velada, la Sonata No 23 "Appassionata" de Ludwig van Beethoven. Obra de enorme dificultad técnica e interpretativa que hizo mucho por avanzar la forma de la sonata a nuevos rumbos sonoros y estilísticos. Beethoven mismo la consideraba su mejor sonata hasta que compuso la No. 29 "Hammerklavier" en 1819. Es una de las sonatas que esta caracterizada por la unidad organica de sus partes lo cuál, en cierta medida, facilita su comprensión por el público. Kissin supo transmitir al oyente el mensaje encerrado en la partitura desde el primer movimiento con su climax al final, el segundo movimiento expresivo y cálido y el finale con una furia casi obsesiva. Tomó un enfoque sentido y apasionado, con acordes precisos, buena articulación, pausas dramáticamente efectivas y distenciones de tiempos que permitieron que emerjan pasajes de gran sutileza. Con fraseo vehemente y definido, pulcro sonido y clara construcción, nos encontramos ante un Beethoven real, sin juegos ni artificios.

La segunda parte pareció como si nos estuviera dando un periodo de descanso, después de la intensidad de Beethoven, las obras de Brahms permitieron descubrir su faz romántica. Los tres intermezzi Op 117 fluyeron con un cromatismo intachable y poético. Las cuatro obras de Albeniz complementaron a las de Brahms mostrándonos su capacidad para cambiar de estilo pero al mismo tiempo, preservando su musicalidad. Redondeó la noche con un virtuosistico "Viva Navarra!", interpretado con todo el cuerpo y con toda el alma, como si se sintiese poseído por el entusiasmo que da nombre a la pieza.

Ante la insistencia y continuos aplausos del público, Kissin ofreció tres obras fuera de programa: La "Andaluza" el Sol mayor, no. 5 de las 12 Danzas Españolas Op 5 de Enrique Granados, La Polonesa "Heroica" en La bemol mayor Op 53 de Federico Chopin y finalmente, la Mazurka Op 68 No. 2 en La Menor, también de ese compositor polaco. Fué en efecto un mini-recital con una danza de introducción, la emocionante y difícil polonesa como parte central y finalmente una mazurka para retornar a la normalidad, si tal cosa fuera posible, después de semejante exhibición de virtuosismo.

Kissin es ni más ni menos que un eximio pianista y a la vez un interesante artista de gran jerarquia. Su personalidad musical es consistente y rica. Sus aptitudes como instrumentista puede resistir un análisis severo y se encuentra en plena madurez de su desarrollo.

No disponemos del concierto completo. Pero, no van a quedar decepcionados con lo que podrán disfrutar

en primer lugar, los dejo con tres piezas de lo que fue el concierto en Buenos aires

Obras:

01. EVGENY KISSIN - Joaquín Larregla- ¡Viva Navarra!
02. EVGENI KISSIN - Frederic Chopin - Polonesa heroica
03. Evgeny Kissin - Liebestraum No 3 in A flat Major

Descarga:
https://is.gd/Rb8gFB

Y como esto suena a poco, van un par de trabajos de Kissin

Evgeni Kissin - Chopin - 24 Preludes; Sonata No.2, Op.35; Polonaise, Op.53

Descarga:
https://is.gd/Rb8gFB


Y por último, una carpeta con ejecuciones de Kissin Y martha Argerich. Como muchos sabrán, fue Martita, quien promocionó el lanzamiento de Evgeni cuando era un niño prodigio

Obras:

01. Piano 4 hands - Mozart Sonata KV 521 (Part 1)
02. Piano 4 hands - Mozart Sonata KV 521 (part 2)
03. Mozart, extr. sonata 2 pianos
04. Lutoslawski - Paganini Variations
05. Play Mozart - Sonata Kv 321
06. Play Happy Birthday (4 Hands)
07. Milhaud. Scaramouche
08. Nocturne (Fêtes) Debussy
09. BOLDOG SZÜLINAPOT MESE!
10. Bach. Concierto para 4 pianos BWV 1065. Argerich, Kissin, Levine, Pletnev
11. Mozart. Sonata in D Major KV 448

Descarga:
https://is.gd/LfV0Be



Causalidad no? Por aquel tiempo, hacía el mismo frío de hoy
Hasta el próximo encuentro!

Elena Roger - Teatro Colón (01.06.2015)

Y llegó el día!!!

Un día como hoy, pero lunes, del año pasado, Charly debutó en el Colón!

Resulta que el viernes anterior creo, estábamos tomando el té con mi amada, y me dice..... Viste que Viene Elena Roger? Bueno, la cosa es que fue como un sopapo para despertar ja, es que con todo lo de Italia, mi llegada, y todo lo que fue pasando, había dejado a un segundo plano el Colón. MI amada me dijo: Ya me empezaba a preocupar! jajaaa!

Muchos podrán decir y con razón, somos insaciables! Todavía no habíamos ido a ver a Drexler, y ya estábamos planeando otra salida!

La cosa, que dos días antes, conseguimos las entradas, y el lunes, fuimos para el Colón. NO saben lo que fue acomodar a Charly en Galería... Toda una Azaña! Es que en ese sector del teatro, las butacas tienen menos espacio, él no se puede meter debajo del asiento y el pacillo es mucho más angosto. Tanta gente había, que al final, nos terminaron acomodando en paraíso, donde mejor se escucha en el Colón!

El show, realmente espectacular, Elena tiene una voz dulce y Maravillosa

Después del concierto, derecho para Caseros y a dormir, porque al otro día todos madrugábamos!

Y Charly, aprobó el examen en el Colón, se portó de diez!

Elena Roger brilló anoche junto a Mina, Edith Piaf y Evita

La cantante abrió el ciclo LN Cultura ante una sala colmada

Insinuante o provocadora, ligeramente sensual. Intensísima, siempre. Elena Roger ofreció anoche un recital de canciones que la confirmó como una de las grandes voces de nuestro país. El repertorio fue inmejorable y reunió algunos de los temas más celebrados, que alguna vez cantaron las dos intérpretes a las que hace ya algunos años decidió rendirles homenaje: Edith Piaf y Mina. Y hubo más: una versión notable de "Soñé un sueño", que pertenece al musical Los Miserables de Claude-Michel Schönberg (y que no hace mucho tuvo en el cine una versión muy aplaudida a cargo de Anne Hathaway), y "No llores por mí Argentina", el himno de Evita de Andrew Lloyd Weber, que dio la vuelta al mundo en voces tan variadas como las de Paloma San Basilio y Madonna.

Sucedió anoche, en el Teatro Colón, y Roger supo acercarse al público con intimidad, aun con lo imponente de esa sala. Fue la puesta en marcha del ciclo LN Cultura, organizado por LA NACION y con el auspicio de Swiss Medical, Petrobras y Citroën. El auditorio, colmado, celebró una y otra vez a la cantante argentina. Aunque, para decirlo todo, Elena Roger es antes que nada una actriz. Es esa naturaleza la que le da un sustento distinto a su desempeño vocal; esa capacidad que le permite comprender cabalmente los textos que debe afrontar y así extraer de ellos sus significados más hondos.


Elena Roger
Elena Roger. Foto: LA NACION / Fabián Marelli

Roger, una voz a la medida del musical
Quizá sea el repertorio de Piaf -el espectáculo que en 2009 la trajo a Buenos Aires y que también ofreció en Londres y le concedió una merecida proyección internacional- el que mejor se ajuste a su temperamento dramático. Si anoche algún espectador decidió cerrar los ojos, por un segundo habrá tenido la sensación -sólo eso, un hechizo, porque se sabe que la estatura artística de Piaf es casi inalcanzable- de que estaba ante la mismísima intérprete francesa, la gran voz doliente de Francia durante la posguerra y musa de artistas e intelectuales de la época. Bastó escuchar otra vez "L'accordéoniste", "Hymne a l'amour" y "Je ne regrette rien" para comprender que se estaba ante una intérprete de enorme potencia dramática. Y "Rien de rien", que llegó con los bises.
El segmento dedicado a Mina fue otro de los puntos altos del espectáculo. Hace bastante tiempo que Elena Roger comenzó a familiarizarse por azar con la excepcional tigresa de Cremona, quien para muchos está entre las cantantes populares de todos los tiempos junto a artistas como Billie Holiday, Elis Regina o Ella Fitzgerald. Roger abordó un repertorio en este caso menos conocido (una figura notable de la canción europea en los años 60 y 70, Mina fue desapareciendo de a poco de los medios) con "Un anno d'amore" e "Indiferentemente", entre otros temas que integraron su espectáculo Mina, che cosa sei?!?
Los otros momentos que provocaron ovaciones tuvieron raíz argentina. Roger atacó primero tres temas de Evita, y luego varios de Piazzolla y Ferrer, entre ellos la invencible "Balada para un loco" y "Chiquilín de Bachín".
Que la notable cantante haya estado acompañada apenas por un piano no hizo más que contribuir al brillo de su voz. Nicolás Guerschberg eligió una interpretación despojada, sin necesidad de acudir a recursos expresivos rimbombantes que distrajeran al oyente. Le bastó con uno o dos pasajes solistas para dar muestras de su capacidad interpretativa y sutileza tímbrica.
Con este espectáculo, Elena Roger confirmó su doble presencia en la cartelera de Buenos Aires. En estos días actúa en Ay, Carmela, la obra de José Sanchis Sinisterra que en 1990 llevó al cine Carlos Saura. La crítica ha señalado los méritos de su interpretación en esa pieza que se ofrece en el Teatro del Picadero. No cuesta imaginarla en escena, claro. Es esa misma fibra dramática y esa sensibilidad la que seguramente anoche le permitieron adueñarse del significado más hondo de cada canción, y convertir entonces su presencia en el Teatro Colón en un momento de rara belleza y excelencia artística.
Fuente:
http://www.lanacion.com

NO disponemos del concierto completo, pero sí les dejamos un par de canciones para que puedan vivir lo que fue esa noche

Temas:

01. Soñé un sueño
02. Hymne à L'Amour
03. Balada para un loco
04. En casa no me quedo
05. No llores por Mí, Argentina
06. Evita
07. Vivo

Descarga:
https://is.gd/sPKlMn


Y de yapa, su última producción, Tiempo mariposa, la que vino a presentar al Colón

En este rincón, no se suelen compartir álbunes completos. Pero, dado que es muy poco lo que hay de este concierto, por un esta vez, nos apartamos de los principios jajaa!


temas:

01. Fiesta de Verte
02. El Tiempo de los Mares
03. Vida
04. O Mundo
05. Cuadrados y ángulos
06. Azúcar del Estero
07. Vamos a Dar una Vuelta
08. Por Suerte
09. Punto de Fuga
10. Es Todo Lo Que Tengo y Es Todo Lo Que Hay
11. Flores
12. Mariposas
13. Ka Ha'I Mai Koe

Descarga:
https://is.gd/T0BWkk



Hasta el próximo concierto!

Jorge Drexler - Estadio Luna Park (30.05.2015)

Buenas noches.



Después de un largo tiempo ausente, aquí estoy de nuevo con Ustedes



Un día como hoy, pero del año pasado, vivíamos otra de esas noches inolvidables. Por primera vez, íbamos a ver en vivo a Jorge Drexler. Un show, de esos que quedan en el más lindo de los recuerdos.



Antes que nada, quería contarles que el 18 de mayo del año pasado, llegaba de Italia, con mi compañero perrudo, que cambió mi vida. Para los que no lo sepan, se llama Charly, es un labrador negro, un ángel que guía mis pasos.



Muchas cosas pasaron desde mi llegada, cambio de clima, adaptación con Charly a nueva gente, nueva ciudad, nuevos aromas..... Rotura de mis audífonos, faringitis, pasó, de todo!

Y mi amada, siempre estuvo al pie del cañón para cuidarme, para llevarme al hospital, para bancarme en aquellos momentos tan difíciles.... Hasta me acompañó al Gaes de Martínez, donde hago ver mis audífonos. Imagínense, sin audífonos, con Charly que no daba pie con bola, que hacía caca con sangre, yo enfermo, todo junto! Y ella, siempre con toda su fuerza para acompañarme. Hasta fuimos al veterinario para que vea a Charly! Gracias por tanto, amor mío!!!



Después de haber pasado tantas, de disfrutar del 25 de mayo juntos, de ayudarme a empezar a caminar con Charly para seguir el entrenamiento (Les puedo asegurar que toda la disciplina que me faltó en Italia, ella me la dio, y no se imaginan de qué modo!) Finalmente, llegó el debut de Charly en un concierto.



Ese sábado, salimos de caseros, Charly debutó en el tren!!! A pesar de mis nervios, todo salió de maravillas..... Charly no se asustó en el tren, se acomodó bien..... Bajamos en retiro, y de Retiro al Luna, donde nos encontramos con una pareja amiga......



EL show, buenísimo. Jorge Drexler es un músico brillante. Y las fusiones que hace con diversos ritmos son muy interesantes.



En un momento, MI amada, Charly, Keegan y quien les habla, terminamos bailando al ritmo de Drexler!



A la salida del show, Charly no tuvo mejor idea que hacer sus necesidades en las inmediaciones del Luna Park! Todavía estaba aclimatándose a su nuevo mundo..... Jajaaa!!!



Luego de este pequeño incidente, nos fuimos a una pizzería cercana a cenar, y seguimos desgranando la noche...



Después, emprendimos el regreso a casa..... NO se crean que todo terminó aquí, de ninguna manera!



AL llevar a Charly a hacer sus necesidades, de repente me saltó encima, y dado que me tiró al piso, tiramos toda una colección de plantas y macetas que mi amada tenía... Mejor no les cuento, las cosas que dijeron hacia mi persona....... Creo, y más que creer afirmo, que si esa noche no me mató, es porque me tiene demasiado amor!!!


"Me pido el derecho a cambiar"
Jorge Drexler.
Antes de su regreso al Luna Park, el sábado junto a Luciano Supervielle, el cancionista uruguayo habló con Clarín de su necesidad de renovar su propuesta estética y de los límites como una oportunidad.

Dialogar con los límites. Drexler dice que ésa es la manera de saber hasta dónde expandir su espacio creativo. / R. Digilio

Perfume. Ese es el nombre de la gira que Jorge Drexler emprende junto a Luciano Supervielle y que llega al Luna Park el 30 de mayo, para transportarnos, como en una máquina del tiempo -tal como lo hacen la música y los olores-, a un repaso de melodías y frases que se sellaron en la cabeza de los que están de este lado, del otro lado del río, y cruzando el océano.
Según anticipa el uruguayo, que vive en Madrid, el espectáculo será "minimalista y desde la electrónica"; ecléctico, de pasado, presente ¿y futuro? creando una atmósfera de melancolía sofisticada, de alegría en movimiento, de recuerdos armónicos algo distorsionados, y separarse así de algunos prejuicios.
¿Por qué creés que se te encasilla con la guitarra acústica, con suaves melodías, algo descarnadas, si tu trayectoria dice que el eclecticismo fue una constante en vos?
La verdad es que no lo sé. Creo que el público es muy inteligente y que uno cambia la puesta en escena pero la gente sigue mirando el guión. A mí me parece bien eso. Yo me pido el derecho del cambio, el derecho camaleónico. De pasar, como ahora, de una gira de ocho músicos en escena con sección de vientos y percusiones a una mínima y electrónica de dos músicos en escena con pianos, programaciones. Irme al otro polo. Pero es un derecho que yo pido para mí, porque a mí me gusta hacerlo. El hecho de ensayar y de subirme a un escenario con Luciano Supervielle es un placer que me lo pido. Creo que el público inteligentemente ve a través de eso y ve lo que realmente importa de nuestro trabajo, que son las canciones, qué es lo que pasa. Es una hipótesis, no tengo una idea muy clara. No tengo mucha perspectiva sobre mí mismo, pero quizás la clave es la construcción de las canciones, no la ornamentación, y que la gente vea ese espíritu más lánguido. O como vos dijiste eso que me gustó, descarnado; quizás la gente vea eso en la construcción de las canciones, en el tono de la voz. Uno tiene un sello propio que uno no percibe. Cuando las cosas están muy próximas a nosotros mismos, no la percibimos.
Siendo un cantautor, ¿sentís que en tus cambios de estilos tu público cambia?
Una corrección, nomás. No soy un cantautor; no me gusta esa palabra. Siempre me pareció poco ideativo un género que tiene que inventar una palabra que es una fusión de dos preexistentes muy mal mezcladas, con ese diptongo horrible en el medio. Cuando me preguntan qué soy yo, soy una anti definición, que es que soy un cancionista. Alguien que mezcla música con texto.
¿Cantautor no es más que un cantante? Muchos se quieren diferenciar.
Yo no estoy entre los que se quieren diferenciar. A mí la profesión de cantante me parece maravillosa, y también soy un compositor. La palabra cantautor tiene una acepción diferente en cada país a los que vas. No quiere decir lo mismo en México que en España, y en España que en la Argentina. En algunos lugares la gente lo tiene como una conquista, como salir de un tipo de música sin intención de profundidad humana y entrar en eso y defenderlo como un logro. Yo nunca lo he visto así. Para empezar, no lo he visto así porque para mí la profundidad no es un bien en sí mismo. Igual que la gente que dice "hace música de peso o hace música liviana". Para mí la liviandad -basta leer los ensayos de Italo Calvino (escritor cubano del siglo XX)- bien entendida es el mejor de los atributos. No tengo intención de que mi música sea pesada.
¿Y sentís que tu público cambia?
Yo creo que no, creo que el público cambia por otras cosas. Cambia por el paso del tiempo. Con Bailar en la cueva, un disco bailable, me decían: 'Lo hiciste para ampliar un mercado'. En este mundo, en realidad, no hay mejor garantía de ampliar un mercado que mantenerte quieto en donde estás. El público en general no tiene ganas espontáneas de que vos vayas y, cada vez, les des algo diferente.
En "Bailar en la cueva", es algo obligado mover el piecito. Y tiene sonidos y ritmos algo parecidos a los africanos y, claro, me hizo acordar al mítico "Graceland", de Paul Simon.
Absolutamente. Mirá, los meses antes de hacer el disco estaba todo el tiempo escuchando en repeat You Can Call Me Al (Drexler emite los sonidos del inicio de la canción). Estuve estudiando esa canción en concreto, y Superstition, de Stevie Wonder, con mucho hincapié en qué pasa con la energía motriz de las canciones. Y has dado una clave, exactamente, porque Bailar en la cueva es un disco centrado en la energía motriz, centrado en el pie. Desde el pie y el hara, del centro del movimiento de los japoneses de abajo del ombligo, el cuerpo se impulsa cuando escucha eso (vuelve a emitir los primeros tonos de You Can Call Me Al). Y dije: "Desde ahí quiero que salga este disco"; y yo estoy acostumbrado a escribir desde el esternón y el entrecejo, digamos, desde las ideas y desde la emoción. Y andaba por Madrid con esa canción e intentando entender qué es lo que pasaba ahí adentro. La construcción de este disco es deudora absoluta de Graceland. Yo sentí que la idea no era ir a hacer turismo musical a Colombia y a ponerme un hábito que no era el mío; sino la idea era integrar con lo que hacía yo, que es una idea también de ese disco revolucionario, que acaba siendo muy moderno.
¿Hubo un quiebre en el álbum "12 segundos de oscuridad"? ¿Confirma el concepto de disco oscuro como lo hace saber la música y las letras?
Para mí sí hubo un quiebre, pero los hubo en todos los discos. Para mí 'discos' y 'quiebre' son sinónimos. Hacer un disco es lo contrario a poner el piloto automático, es la pérdida del automatismo, es salir de la zona de comfort, es cambiar la faceta, el prisma desde el que ves tu realidad. Siempre hay un cambio. En 12 segundos de oscuridad, el cambio no siempre es igual. Si querés te puedo contar cual es mi opinión, disco a disco, cuál era el vector de cambio. Lo que sí hubo en 12 segundos... es que fue la primera vez que tomó un vector anímico como elemento, porque antes era arreglístico. Entrar en la electrónica en Frontera y en la música a raíz. Profundizar mucho más en la electrónica en Sea. En Eco, volver al concepto de música hecha en un estudio, en grupo, mezclado con la electrónica. Pero además empezar a escribir las canciones desde la letra, que eso es nuevo en ese álbum, con guitarra y voz. Como La milonga del moro judío, que está escritos desde la letra. Pero cuando llega 12 segundos..., el cambio no era ni en la metodología letrística, ni en la compositiva, ni en la arreglística; era un cambio anímico: en la mitad de la vida, un divorcio con hijos. Y en ese desasosiego está escrito este disco, de manera realmente terapéutica.
¿Dónde y cómo encontrás esos disparadores? ¿En Cabo Polonio, Rocha? ¿Tiene que pasarte algo en particular?
Es un llamado interior igual que el que tienen que tener los pájaros para organizarse y migrar. No es claro, no es que me levanto y digo 'oh, tengo que componer'. Es algo que empieza a construirse. Como si empezara a aparecer en tu campo visual una imagen de a poco. Y de golpe, empezás a sentir la necesidad, eso empieza a crecer y de golpe, cuando te querés dar cuenta es una obsesión absoluta. Lo único que querés es parar de hacer lo que estás haciendo, parar de tocar, de girar, de todo y ponerte a escribir.
No sos para nada estructurado en los tiempos de los discos, entonces.
Yo trabajo muy bien con los límites. No sólo con los temporales, sino también con los estéticos. Por eso me gusta el verso clásico, me gusta la décima. Quien acepta trabajar bajo una estructura tan rigurosa como la décima espinela, entiende que la libertad en una disciplina artística no es la ausencia de límites, sino que es el diálogo con los límites, ver hasta dónde los podés expandir y hasta dónde tenés que asumir que es mejor quedarse dentro. Y los nuevos horizontes que se abren cuando uno limita algo. Como decía Stravinsky: "Cuando más me limito, más me libero", y eso es cierto. Tu universo se reduce a que aparezca un nuevo concepto que no tenías pensado.
Hablando de límites: ganaste un premio Oscar, Grammys, creaste una aplicación para el teléfono, relataste un partido de fútbol en vivo... ¿tenés límites?
Tengo límites, pero no tengo siempre los mismos. Voy alternando. El problema es que vos sientas que llegás hasta aquí y que no podés ir más allá. La experiencia me ha enseñado que podés ir siempre más allá. Pero los límites son como el horizonte: podés ir todo lo más allá que quieras pero no vas a dejar de saber que hay un sitio en el horizonte que no vas a llegar a tocar. Los límites son para eso, para moverse. Son una invitación no son una barrera.
¿Qué sentís al saber que algunas de las canciones de la ultra famosa Shakira son composiciones tuyas?
No lo he contado mucho. Pero es un desafío muy grande escribir para ella. Cuando fui a trabajar con ella, le dije: "No es mi mundo, no es el tipo de canciones que yo escribo para mí, no es mi hábitat natural. Pero estoy aquí como un militante, con una escafandra, que viene a estudiar tu mundo". Te voy a resumir mi apreciación del trabajo con Shakira con un solo hecho que a mí me pone muy feliz, con el que siempre estaré muy agradecido: gracias a Shakira yo tengo una co-autoría, la única que tengo, con Gustavo Cerati. Es una canción que se llama Devoción. Es una música que le hizo Gustavo para ella y que en ese momento, cuando Gustavo no estaba ni enfermo todavía, ella me pasó a mí. Le puse letra y cuando quise ver, pensé: "¡Estoy escribiendo sobre una melodía de Cerati!". Y le dije a Shakira: "Ya por esto estoy en deuda contigo". Hay que perder ciertos prejuicios. A mí me gusta mucho el pop, no solo lo que hago yo. Me gustan mucho otras cosas que yo no hago.
¿El rock argentino está más uruguayo que nunca?
Ha habido varias oleadas. Me encanta y me enorgullece que se estén abriendo camino. Aunque también te digo que esas cosas ya han pasado en otros tiempos, con Los Shakers, en una escala menor pero que marcó mucho estéticamente con Jaime Roos. De repente, no de manera masiva, pero sí identitaria, la música uruguaya era muy poderosa en Argentina. Y lo que está pasando ahora con No te va a gustar y La vela es parte de esas oleadas. Pero nuestros países funcionan como una amalgama, como un monstruo de dos cabezas, con un mismo aparato afectivo. Tenemos tantas cosas en común que es tan fácil decir que la música argentina está uruguayizada como que la música uruguaya está argentinizada. Hasta un punto es muy difícil de diferenciar. ¿De dónde es Bajofondo? ¿De dónde viene? O preguntale a (Fernando) Cabrera de dónde es su música, si del país de Piazzolla o del país de Zitarrosa, ¿Es de los dos? ¿Es de Troilo o de Eduardo Mateo? ¿Es necesario establecer una frontera entre los dos? Porque no es fácil hacerlo.
Pregunta obligada: ¿Dónde tenés el Oscar?
Es más importante decir dónde no lo tengo (risas). Porque lo tengo en un costado en el living de casa, pero donde no lo tengo es donde escribo las canciones. No lo tengo en mi estudio de trabajo. Los premios son muy importantes, pero ocupan un lugar y un espectro diferente al emocional desde dónde uno escribe las canciones. No tengo ninguna imagen consagratoria en los lugares que escribo las canciones, ni fotos mías, ni carteles de la gira, ni fotos de escenarios llenos. La composición es un lugar aséptico, un lugar de humildad, hay que empezar de cero cada vez que uno se sienta a escribir una canción y eso no se consigue al lado de un galardón. Entonces, lo tengo en un lugar de orgullo, porque estoy muy orgulloso de eso. Lo tengo en un lugar cercano, sin quitarle el mérito; pero no es el lugar desde el cual escribo, en realidad.

Jorge Drexler, junto a Luciano Supervielle, toca el sábado 30, a las 21 horas, en el Luna Park, Madero y Corrientes. Desde $230, por Ticketportal.
Fuente:
Clarin

No disponemos del concierto completo; Pero, les dejo 10 canciones de ese show para que puedan apreciar el gran show que dio Drexler, y lo gran músico que es!!

Lista de canciones:
01. Causa y efecto
02. La luna de Rasquí
03. Jorge Drexler & Luciano Supervielle -Perfume)
04. Fusión
05. Bailar en la cueva
06. Guitarra y vos
07. Parte del aire
08. La edad del cielo
09. Todo se transforma
10. Sanar

Descarga:
https://is.gd/PgMN8E


Hasta la próxima cita!

Escalandrum & Marty Friedman - Live at Usina del arte (09.04.2015) .

Esta vez, cambiamos un poco de género, y volvemos al jazz

Me acuerdo que fue una de esas semanas que la dedicamos solo a nosotros

Aquel jueves, estábamos planeando la tarde, ir a caminar con Keegan, a tomar un cafecito quizás... EL día estaba precioso. Pero, siempre hay un pero....... De pronto en la radio, Pergolini Dice: Esta noche estará Escalandrum y el guitarrista Marty Friedman, en la usina del arte. Yo pensaba.... Que hace Escalandrum con un guitarrista metalero? Nos quedamos duros........ Pensando...... Vamos? Qué hacemos? Que si, que no, dejamos todo y armamos para ir a la Usina. Y así es que de Caseros a la Boca no paramos. Sabíamos, que íbamos a vivir algo único. En el colectivo, encontramos a dos personas entrañables, Analía y Adrián, que nos acompañaron hasta la Usina, a esperar para retirar las entradas. Es una de las particularidades que siempre tuvimos, el hablar con la gente y hacernos de buenos amigos.

Cuando Llegamos, nos dijeron: Con perro no se puede entrar.... Le explicamos lo de la ley, pero era como hablar con la pared. Entonces, Analía hizo que no los veía, Mery que no los escuchaba, y yo la verdad ese día hacía honor a mi causa de no escuchar un cuerno, jajaaa! Estaba con algo de sueño y los audífonos tenían un día de locos. Así que, hicimos como si nunca nos dijeran nada. Y entre cafecito, sanguchitos y conversación, se nos hizo la hora de ir a la sala.

EL concierto, impresionante, raro a la vez, escuchar una versión eléctrica de Adiós Nonino es raro. Pero, creo que Escalandrum, está actualizando, y continuando la obra del gran Astor.

Si bien a mí el heavy metal no me gusta, la fusión de jazz y guitarra eléctrica fue muy buena.

Después del concierto, Tuvimos la dicha de poder saludar al Pipi Piazzolla, y a Marty Friedman. Felices, sobre todo por el Pipi Piazzolla. Nosotros, amamos la música de Astor. MI amada, se emocionó con Marty Friedman, le tocó la cara, el pelo....... Marty le dijo I love you! Todo para Hacerme raviar a mí jajaaa! Después de tan linda velada, a dormir, porque al otro día había que ir al trabajo, y yo estaba en plenos preparativos para irme a Italia, a buscar a mi ángel perrudo. Pero, para eso todavía falta.

Escalandrum y Marty Friedman le rinden tributo a Ástor Piazzolla

El sexteto de jazz capitaneado por Daniel "Pipi" Piazzolla, Escalandrum, compartirá escenario con el virtuoso guitarrista estadounidense Marty Friedman, ex Megadeth, en un concierto único y gratuito que ofrecerá este jueves a las 20 en La Usina del Arte de La Boca, donde juntos rendirán tributo a Astor Piazzolla.
La singular juntada no es casual ni forzada, sino que tiene origen en la profunda admiración que Friedman profesa por el gran bandeonista y compositor argentino, cuya obra es abordada con libertad y en clave jazzística por Escalandrum, grupo que transita su mejor momento en una carrera de 15 años.
 En charla con Télam, "Pipi" contó que todo comenzó cuando el guitarrista, quien ya tenía previsto visitar el país para dar clínicas de guitarra, "le dijo a su representante que no quería dar conciertos que tengan que ver con el rock, sino algo de tango que tenga que ver con Astor Piazzolla".
 "Nos empezamos a mandar mails durante un mes y medio, él me pedía 'por favor consideren que hagamos un show'. Estaban todos los lugares ocupados y él estaba enloquecido, finalmente salió esta fecha en La Usina y lo invitamos", resumió.
 Marty Friedman se hizo famoso por su trabajo con la banda de thrash metal, Megadeth, entre 1990 y el 2000. Anteriormente formó Cacophony junto a Jason Becker, y actualmente reside en Japón, donde fue anfitrión de su propio programa de televisión, "Rock Fujiyama", y de "Jukebox English", en la TV japonesa.
 Si bien esta reunión "es una experiencia muy particular" -como describió el mismo "Pipi"-, tiene mucho que ver con la apertura de Escalandrum, no sólo por compartir la música con artistas de otros géneros y países, sino por su forma original de interpretar las piezas de Astor.
 "Escalandrum es un grupo muy abierto y respeta la cultura de cada uno de nosotros, en nuestro pasado hemos tocado rock y de todo, no nos separamos nunca, tenemos todo para adelante y por detrás", subrayó el nieto de Piazzolla.
 En cuanto al significado que tiene para él ser el nieto de un artista que trascendió las fronteras y los límites del género, dijo: "Me enorgullece mucho que gente de otros géneros quieran venir a hacer Piazzolla, la expansión a nivel estilístico fue mundial".
 En relación al concierto del jueves en Caffarena 1, esquina Pedro de Mendoza -con entrada libre y gratuita, por orden de llegada, hasta agotar la capacidad de la sala-, el músico adelantó que "vamos a hacer un par de temas solos, como 'Vayamos al diablo' y 'Libertango', un tema suyo y preparamos un set juntos".
 Escalandrum, la agrupación de jazz más popular de Argentina, está sostenida por Piazzolla en batería, Nicolás Guerschberg en piano, Mariano Sí­vori en contrabajo, Gustavo Musso en saxo alto y soprano, Damián Fogiel en saxo tenor y Martí­n Pantyrer en clarinete bajo y saxo barí­tono.
 Luego de festejar el año pasado sus 15 años de vida en un histórico recital en el teatro Coliseo -que marcó un punto de inflexión en el circuito del jazz local, ya que fue un hecho inédito para un conjunto del género-, Escalandrum se prepara para tocar a mediados de abril con la Orquesta Sinfónica de Montevideo.
 En mayo se presentarán en Brasil y a fin de julio emprenderán una gira por Europa con Concha Buika (interpretando los temas cantados de Astor), mientras continúan haciendo música nueva para lo que será su noveno disco, el sucesor a "Las cuatro estaciones porteñas".
Fuente: Télam

Aquí los dejo con el concierto:
Lista de obras:
01. Presentación
02. Primavera Porteña
03. Tanguedia
04. Vallamos al diablo
05. Escualo
06. Devil Take Tomorrow
07. Buenos Aires Hora Cero
08. Oblivion
09. Adiós Nonino
10. Undertow
11. Libertango
Descarga:
https://is.gd/NhwryE

Y aquí el video del concierto, si lo quieren ver:
https://www.youtube.com/watch?v=Sm_YzVrFyWE

 Será hasta la próxima!

Una noche en la ópera (14/04/2015) .

Buenas noches
No se vallan a creer que les voy a compartir el gran disco de la mítica banda Queen, A Night At The Opera!



Se trata, de nuestro debut en la ópera en el Colón.  Después de haber visto tantos conciertos, de diversos géneros, estilos, nos faltaba, disfrutar de una ópera en vivo. A nosotros, nos gusta mucho disfrutar de las óperas en el Colón, nunca fuimos de escuchar cds de ópera. Es que en el Colón es otra cosa, es el clima, lo que el teatro representa.

EL Colón arrancó su temporada lírica con Werther, de Jules Massenet.

Cabe aclarar,  que en esta ópera hubo que buscar un reemplazo de urgencia, ya que el Mexicano Ramón Vargas, el tenor principal canceló las funciones en Buenos Aires, no es la primera vez que lo hace. Quien lo reemplazó en su lugar fue el tenor Michael Spadaccini, de discreta labor, teniendo en cuenta que tuvo que venir de urgencia a esta ópera.



NO hay mucho para contar. Después de llegar primero al Colón, de esperar a mi amada y a Keegan en la confitería del teatro, Nos fuimos para la sala. La ópera en cuanto a la música, voces, a nosotros nos gustó mucho. Después, lo visual, si actuaron bien o no, queda para los que tienen ojitos para ver y los especializados. Luego de la función, nos fuimos a dormir, ya que, MI amada, Keegan y Quién les habla teníamos que ir a nuestros respectivos trabajos. Así qué, nada de joda y a dormir jajaaa!

No disponemos de la ópera completa, pero si les dejo algunos fragmentos para que puedan darse una idea de lo que fue esa noche

Descarga:
https://is.gd/DkyQr3